Actie, Gebeurtenissen En Sociale Kunst: Alles Wat U Moet Weten Over Prestaties

Vermaak 2022

Inhoudsopgave:

Actie, Gebeurtenissen En Sociale Kunst: Alles Wat U Moet Weten Over Prestaties
Actie, Gebeurtenissen En Sociale Kunst: Alles Wat U Moet Weten Over Prestaties

Video: Actie, Gebeurtenissen En Sociale Kunst: Alles Wat U Moet Weten Over Prestaties

Video: Dizziness and Vertigo, Part I - Research on Aging 2022, December
Anonim

RAPPORTEN OVER Gedurfde, schandalige en gewoon verkeerd begrepen promoties en optredens zijn een onderdeel van het dagelijks leven geworden: terwijl de politie Pjotr ​​Pavlensky en Katrin Nenasheva arresteert (en in meer geavanceerd Europa de eeuwig naakte Milo Moiret), wordt Shia LaBeouf seksueel misbruikt in de galerie, en de levende klassieker Marina Abramovich is betrokken bij commerciële projecten en klaagt de voormalige co-auteur … De wereld is gek geworden - is het zo ontworpen of begrijpen we iets niet? Om te begrijpen waarom de vreemde capriolen van individuele gekken als kunst worden beschouwd, hebben we een gids voor performatieve praktijken opgesteld - we begrijpen wat een uitvoering, actie en gebeurtenis zijn, waaruit ze bestaan ​​en welke wetten er bestaan.

Oorsprong

Fragment uit de film over Jackson Pollock "51", (1951)

Het is gebruikelijk om de geschiedenis van de performance te vertellen van de futuristen (met dien verstande dat er in de vroege futuristische performances meer shockerend was dan de kunst als zodanig) of van de dadaïsten met hun Cabaret Voltaire. De eerste vocht tegen filistijnse traagheid en lokte op alle mogelijke manieren het respectabele publiek uit dat naar futuristische avonden kwam (de grondlegger van het futurisme, Filippo Tommaso Marinetti, stelde bijvoorbeeld voor om meer kaartjes te verkopen dan de zaal kon bevatten, door de stoelen te bedekken met lijm en besprenkeling met poeder dat jeuk en niezen veroorzaakt).

De laatste verzette zich tegen de oorlog - de Eerste Wereldoorlog was aan de gang - en omdat ze geen traditionele uitdrukkingsmiddelen wilden gebruiken (omdat sommigen simpelweg niet in staat zijn om de hele gruwel van wat er gebeurt te beschrijven, propaganda), ensceneerden ze uitvoeringen in een klein cabaret in neutraal Zwitserland met de declamatie van "zinloze" poëzie, obscene toneelstukken en noise-muziek. In de jaren twintig namen surrealisten het stokje over met fantasmagorische uitvoeringen (Jean Cocteau, Alfred Jarry, Antonin Artaud zijn het vermelden waard) en de Bauhaus-deelnemers die de mechanica van ballet bestudeerden - maar toch hadden de meeste van hun experimenten betrekking op het theater.

De eerste uitvoering in de moderne zin van het woord wordt vaak de uitvoering van John Cage's toneelstuk "4'33" (1952) genoemd - het is belangrijk dat het werd uitgevoerd: de pianist kwam naar buiten, ging voor het instrument zitten, zette noten op de muziekstandaard verstijfde het publiek in afwachting van het eerste akkoord. toen kwam action painting in een stroomversnelling - Jackson Pollock, Willem de Kooning en andere kunstenaars veranderden het proces van het maken van abstracte schilderijen in een representatie, terwijl Yves Klein in Europa experimenteerde met " antropometrie "- werken gemaakt met de deelname van menselijke lichamen. taalfilosoof John Langshaw Austin bedacht en bedacht het woord" performatief "om uitspraken te beschrijven die niets anders overbrengen dan een nieuwe realiteit creëren.

Het verschil tussen een actie, een happening en een performance is nogal willekeurig, omdat een van de eigenschappen van kunst is

illusoire grenzen

In de jaren zestig was de westerse kunst rijp voor een 'performatieve wending' - het wijdverbreide uitwissen van grenzen tussen verschillende soorten kunst en hun aantrekkingskracht op de vorm van het spektakel. Dit was deels te wijten aan de verspreiding van linkse ideeën (critici van het kapitalisme waardeerden de voorstelling omdat het, in tegenstelling tot een schilderij of sculptuur, onmogelijk te verkopen was), deels vanwege de kunst uit de eerste helft van de 20e eeuw. consequent de noodzaak om iets af te beelden en aan te duiden weggenomen, zodat kunstenaars nu konden werken met subjectieve ervaringen en communicatie, door het publiek in speciaal gecreëerde speciale situaties te plaatsen. De jaren zestig - de tijd van de uitvoeringen van de Fluxus-beweging, het Weense Actionisme en de eerste gebeurtenissen van Allan Kaprow, dat wil zeggen, alles wat nu wordt beschouwd als "klassiekers van het genre".

Het verschil tussen actie, gebeuren en uitvoering is nogal willekeurig, omdat een van de eigenschappen van kunst de illusoire aard is van grenzen, die voortdurend worden geschonden en herzien (wat betekent dat elke definitie bestaat totdat deze wordt aangevochten). Maar om ergens op voort te bouwen, kan men het erover eens zijn dat een handeling in de eerste plaats een gebaar is: een gedurfd, radicaal, exploderend alledaags leven, veranderende percepties, kunst uit het museum en galerie-getto halen. De voorstelling is intiemer, intiemer en vereist dat het publiek een of andere gebeurtenis meemaakt, vaak geassocieerd met het testen van de mogelijkheden van het menselijk lichaam en spirituele ervaring. Een handeling is te vergelijken met een slogan, een voorstelling met een voorstelling of ritueel. Happening is vergelijkbaar met een game: het is het creëren van een absoluut willekeurige situatie zonder een duidelijk plan, volgens het "What if …" -principe.

Voorraad

Actie "Barricade" op Bolshaya Nikitskaya Street in Moskou, (1998)

De verwarring van termen is duidelijk te zien in het voorbeeld van het Weens Actionisme: de deelnemers aan de beweging noemden complexe geënsceneerde rituelen met elementen van religieuze mysteries. Als we de actie beschouwen als een actie die meer een "poster" -karakter heeft, dan kunnen we als levendig voorbeeld verschillende werken van Russische kunstenaars noemen, gemaakt in de esthetiek van politieke spraak. Bijvoorbeeld de groep "Nest" tijdens de actie "Demonstratie. Art to the Masses”(1978) liep over straat met een rood-wit spandoek waarop, in plaats van een slogan, een fragment van de abstracte compositie“Accent Grave”van de kunstenaar Franz Klein was afgebeeld. "Ze hadden later problemen", herinnert de recensent Yekaterina Dyogot zich, "maar desondanks bleek de actie in feite niet strafbaar. En dit betekent dat de belangrijkste conceptuele artistieke taak is opgelost: een eenduidige interpretatie ontwijken en alle betekenissen in twijfel trekken”.

Tijdens de actie "Barricade" (1998) blokkeerden enkele tientallen artiesten en sympathisanten die zich bij hen voegden (ongeveer 300 mensen in totaal) de Bolshaya Nikitskaya Street in Moskou met kartonnen dozen, en gebruikten de slogans van de Franse "Rode Mei" (in het Frans!), Ze aanvullen met Russisch-talige "Geld nee - en niet!", "Kan me niet schelen", "Vrijheid voor papegaaien!" en andere onzin (bange politie zette het gebied af, de prefect van het Central District vertrok naar de plaats, zeven van de meest actieve deelnemers kregen later een boete). "Demonstraties" van de "Radek" -vereniging (2002) werden gehouden bij oversteekplaatsen voor voetgangers: zodra het groene licht aanging, hieven de deelnemers rode spandoeken met gedeeltelijk geschilderde antiglobaliseringsleuzen over de hoofden van voorbijgangers, waardoor mensen veranderden gehaast over hun zaken naar deelnemers aan een spontane processie.

De groep "Svoi" kreeg vooraf toestemming om deel te nemen aan de May Day-demonstratie, maar maakte er een "May Day Street Party" (1999) van met spandoeken van kleurrijk calico en de muziek van het Pakava Iti-orkest. De "Monstraties" van Novosibirsk begonnen op dezelfde manier: deelnemers infiltreerden in de georganiseerde May Day-columns van de Communistische Partij met slogans als "Y-y-yt!" en "Gesloten". Het is opmerkelijk dat, hoewel de slogans in de bovenstaande acties fundamenteel zinloos waren, het gebaar zelf - de straat op gaan met een poster - door het publiek werd beschouwd als een protest, waardoor de deelnemers vaak problemen kregen met wetshandhavers..

Gebeurt

Allan Kaprow, 18 gebeurtenissen in zes delen (1959)

De galerie bleek een zolder te zijn. Plastic scheidingswanden verdeelden het in drie kamers, twee ervan hadden kamerhoge spiegels en stoelen die op een bepaalde manier waren gerangschikt, de derde was een "controlekamer". De gasten gingen zitten, het startsein werd gehoord. Acteurs begonnen door de gangen tussen de kamers te marcheren, in de ene kamer stond een vrouw tien seconden roerloos, in een andere lieten ze dia's zien; iemand reciteerde, iemand schilderde op een canvas zonder primer; muziekinstrumenten klonken.

Na anderhalf uur kondigden twee ringen het einde aan van "18 Happenings in Six Parts" van kunstenaar Allan Kaprow (1959), die zijn gasten vooraf waarschuwde: "In de ogen van de kunstenaar zullen deze acties betekenisloos zijn., gemakkelijk te formuleren. " Er zit echter nog steeds een zekere zin in het gebeuren: de grenzen tussen de kunstenaar en het publiek overwinnen door samen te leven in een situatie die door niemand volledig wordt beheerst. Meestal voegen ze eraan toe - "en heeft geen goed doordacht script", maar eerlijk gezegd moeten we toegeven: het klassieke werk dat hierboven wordt beschreven, werd niet alleen van tevoren gecomponeerd, maar ook zorgvuldig gerepeteerd.

Prestatie

Marina Abramovich "The mouth of St. Thomas", (1976)

De essentie van performance wordt perfect weergegeven door de term (performance) zelf: het is een kunstvorm waarin het werk de performance is; acties van een artiest of groep op een bepaalde plaats en op een bepaald tijdstip. De voorstelling is als een theatervoorstelling; het onderscheidt zich van actie door minder laconiek en een grotere nabijheid tot de kijker, van gebeuren - door de aanwezigheid van een script en de dominantie van de uitvoerder (of uitvoerders).

Veel is variabel in een voorstelling. Het kan precies gaan zoals de auteur het bedoeld heeft - of het kan worden gewijzigd of onderbroken, zoals bijvoorbeeld 'The mouth of St. Thomas' van Marina Abramovich (1976), wiens getuigen, die de zelfkwelling van de kunstenaar niet konden verdragen, tussenbeide kwamen en onderbrak haar. Kijkers kunnen de rol krijgen van ongeïnteresseerde waarnemers of actieve deelnemers. De actie kan een paar minuten duren of dagen duren, vindt plaats in een galerie of op een afgelegen plek waar je nog moet komen. Het kan worden uitgevoerd door de artiest zelf of door ingehuurde acteurs.

Eén ding is onveranderlijk: de voorstelling creëert een nieuwe werkelijkheid die bestaat in ruimte en tijd en die gezamenlijk wordt beleefd door de performer en het publiek. Het kan niet worden bewaard en nauwkeurig worden gereproduceerd (ongeacht welke illusies de documentatie en heruitvoeringen op deze partituur creëren), aangezien het deze gezamenlijke ervaring is die de essentie ervan vormt.

Kunst

"Sociale wending"

Joseph Beuys, 7000 Oaks, (1982)

In 1982 begon de kunstenaar Joseph Beuys aan zijn meest ambitieuze actie: gedurende meerdere jaren was hij van plan om in Kassel 7.000 eiken te planten, elk vergezeld van een stenen stele. Deze actie kan worden gezien als een reactie op de snelle verstedelijking, als een manier om de staat te beïnvloeden door middel van kunst (de kunstenaar kreeg te maken met tegenstand van politici), als 'schoonheid brengen aan de massa' en tenslotte als een manier om nieuwe relaties tussen mensen (regisseur Georg Genot herinnerde zich dat het plan van Boyes hielp om twee buren te verzoenen die al jaren niet met elkaar hadden gesproken - ze sloten zich als vrijwilliger aan bij de actie en plantten samen een eik).

Het creëren van dergelijke situaties, die de kijker niet alleen een soort ervaring bieden, maar ook nieuwe relaties aangaan, heeft de naam gekregen van "dialogische kunst" of "kunst van sociale wending". Het pathos hier zit in het overwinnen van vervreemding, die vooral acuut werd in de jaren negentig na de ineenstorting van het communistische project. Een voorbeeld hiervan is de tentoonstelling "Is Tomorrow a Question?" Van Rirkrit Tiravania. (2015), die samenviel met de opening van het Garage Museum, waar de kunstenaar pingpongtafels neerzette en bezoekers trakteerde op dumplings.

Soms wordt de door de kunstenaar gecreëerde situatie echter ethisch dubbelzinnig - vooral als de auteur zich terugtrekt en de positie inneemt van een externe waarnemer. Dit was bijvoorbeeld het project van Artur Zhmiyevsky "They" (2007). De kunstenaar organiseerde schildergroepen voor katholieken, joden, Poolse nationalisten en socialisten, nodigde elke groep uit om tekeningen te maken met de belangrijkste waarden, en liet hen vervolgens het werk van andere groepen bewerken. Als gevolg hiervan veranderde het gezamenlijke werk in een oorlog en eindigde het met het in brand steken van de studio.

Opnieuw invoeren

Fragment uit Jeremy Deller's re-enactment "The Battle of Orgriv", (2002)

Een kanonsalvo klonk in volledige duisternis.Een menigte van enkele duizenden mensen, die het signaal gehoorzaamden, bewoog zich naar het Winterpaleis. Gepantserde auto's en machinegeweren rollen onder de boog van het Generale Stafgebouw vandaan, vrachtwagens met gewapende arbeiders rijden langs de Alexanderzuil. Na een korte schermutseling met de cadetten en het vrouwenbataljon werd het paleis ingenomen en wapperde de revolutionaire rode vlag eroverheen. Op de kalender - 1920: dit is geen echte staatsgreep van oktober, maar een productie van regisseur Nikolai Evreinov, waaraan 8 duizend mensen deelnamen.

Dit is het eerste bekende voorbeeld van re-enactment - een massale enscenering van historische gebeurtenissen met de deelname van niet-professionele acteurs. Naast het betrekken van gewone mensen bij het creatieve proces, vervult re-enactment een bepaalde sociale functie, waardoor de mogelijkheid wordt gecreëerd voor collectieve analyse van belangrijke, vaak traumatische gebeurtenissen uit het verleden.

In 1999 nodigde regisseur Peter Watkins bijvoorbeeld 220 Parijzenaars uit om een ​​film te maken over de gebeurtenissen in de Commune van Parijs in 1871. Het is opmerkelijk dat de deelnemers aan het project onafhankelijk en collectief werkten aan het documentairedrama over de mislukte ervaring van stadsbestuur - het hele proces, van het schrijven van het script tot het filmen, vond plaats in de geest van een commune. In 2002 regisseerde kunstenaar Jeremy Deller The Battle of Orgrive, een re-enactment van politieconflicten met mijnwerkers die protesteerden tegen de acties van de regering van Margaret Thatcher tijdens de crisis van 1984. De productie werd bijgewoond door voormalige mijnwerkers en politieagenten - dezelfde die ooit echt vochten voor steenkool in de Orgriv-cokesfabriek.

Documentatie en heruitvoering

Tajiks-Art "Balkan Baroque", (2009)

Hoe sla ik een voorstelling op? Helemaal niet, hoewel u kunt proberen het te documenteren in foto's, video's en beschrijvingen. Pogingen om te reproduceren zijn in strijd met de essentie van de voorstelling, dus veel kunstenaars weigeren botweg hun werk te herhalen. Dus in 2005 stond Chris Bourdin Marina Abramovich niet toe om zijn werk uit 1974 "opnieuw af te spelen", omdat hij zei dat het al een theater zou zijn waarin de ene artiest de rol van de andere speelt.

In tegenstelling tot de angsten van Bourdin kan een nieuwe handeling echter nieuwe betekenissen en nieuwe ervaringen creëren. In 2009 reproduceerde de Tajiks-Art-groep Abramovich 'performance "Balkan Baroque" (1997) in de Moskou-club "Solyanka", waarbij de kunstenaar een berg bloedige runderbeenderen waste (het werk was gewijd aan de burgeroorlog in Joegoslavië). Tajiks-Art huurde illegale immigranten in om beroemde werken van hedendaagse kunst te reproduceren; Eerst leerden ze Tadzjiekse schilders tekenen van Mark Rothko en Jackson Pollock, daarna speelden ze en maakten hun debuut alleen met de 'Balkan Baroque' (bovendien stond het management van de club niet toe om de stinkende bloedige botten naar binnen te brengen, dus ze moesten ze van tevoren wassen). De rol van Abramovich werd gespeeld door een bepaald Oekraïens meisje dat naar Rusland kwam om te werken, ingehuurd en opgeleid door curatoren.

De actie leek meer op een parodie, maar de kunstenaar en performance-onderzoeker Liza Morozova, die in de club aanwezig was, merkte op: “Voor een Oekraïens meisje was het een echte uitvoering. Veel cooler dan voor Abramovich, want tegen de tijd van de Biënnale van Venetië was ze al uitgebrand en speelde ze het thema gewoon uit, illustreerde het. De jonge performancekunstenaar, aan de andere kant, hield elk bot vast als een baby - trillend, alsof hij suste, meditatief eroverheen streelde - een absoluut absurde, en niet functionele, zoals bedoeld, actie. Ik denk dat ze hierin dichter bij de mooie heldinnen van Pina Bausch stond, die permanent in een staat van existentiële angst verkeren: tegelijkertijd liefde, wanhoop en hoop … Maar om [dit] te zien, om te zien, moest je … ga op twee meter afstand zitten en houd in de gaten wat er gebeurde. Volg de oprechte, sublieme en pure uitdrukking op het gezicht van het meisje (ik denk dat Abramovich zo'n uitdrukking zelfs in zijn kinderjaren niet had)."

Een plek

Ekaterina Vasilieva en Ganna Zubkova "Revolutionary axis", (2014)

Performance, action en happening vereisen allemaal de fysieke aanwezigheid van de artiest en het publiek - wat betekent dat ze altijd ergens plaatsvinden. Maar 'ergens' is een uitbreidbaar concept: het zou een galerie of een museum kunnen zijn, of het zou het Firsanovka-station van de Oktyabrskaya-spoorweg in de regio Moskou kunnen zijn - zoals in het geval van de Slogan-actie uit 1977 van de Collective Actions-groep. In de jaren zeventig gingen vertegenwoordigers van het conceptuele concept van Moskou vaak naar de velden in de buurt van Moskou (de bovengenoemde collectieve acties zijn misschien wel het bekendste voorbeeld). Tijdens een van die reizen legden leden van de Mukhomor-groep het woord "***" met hun lichamen op de witte sneeuw.

Twaalf jaar later deed de "ETI" -groep hetzelfde, maar dit keer op het Rode Plein, en Anatoly Osmolovsky, de deelnemer aan de "ETIkh" -actie, reageerde categorisch op de beschuldigingen van secundair zijn: "Het feit dat de groep" Mukhomor "Ik heb ooit iets soortgelijks gedaan, naar mijn mening, niet alleen annuleert het de [actie] betekenis niet, maar geeft het integendeel veel symboliek - iets dat ooit in de sneeuw werd geproduceerd door drie mensen in het bos, manifesteerde zich op een openbare plaats en veroorzaakte een politiek schandaal. Met dit gebaar kwam de standaard postmoderne regel tot uiting: de belangrijkste waarde van hedendaagse kunst is juist plaats en tijd, en geen formele nieuwigheid."

In de regel worden vertegenwoordigers van de autoriteiten co-auteurs van Pavlensky's acties, en de duur van elke actie hangt af van hoe snel ze komen, wat te doen met de kunstenaar

Als de stad voor de vertegenwoordigers van het conceptuele beeld van Moskou een vijandige omgeving was, dan verhuisden de leden van de ZAIBI-groep ("Voor anonieme en vrije kunst", ook bekend als de Dvurak - "Beweging van ultra-radicale anarcho-regionale studies") letterlijk door de stad: ze namen een kaart, droegen die tussen twee rechte punten en liepen er langs, ongeacht hekken en hekken - door industriegebieden, veiligheidsvoorzieningen, stortplaatsen en andere obstakels. En in 2014 staken de kunstenaars Yekaterina Vasilyeva en Ganna Zubkova Moskou over (met een ijzeren pijp op hun schouders) van het noordelijkste punt van de ringweg van Moskou naar het zuidelijkste punt langs de as loodrecht op de projectie van het traject van de zon. Dus, door de beweging van hun eigen lichaam, materialiseerden ze conventionele geografische aanduidingen, op elk moment van de actie die naar een nieuw punt in de ruimte gingen. De voorstelling heette “The Revolutionary Axis”: op het moment dat de zon op haar hoogtepunt stond, zouden de artiesten zich in het centrum van de stad op Revolution Square bevinden.

Tijd

Ragnar Kjartansson "Verlangen is sterker dan geluk", (2014)

Op een zonnige dag in juni 1996 klommen kunstenaars Gluklya (Natalia Pershina-Yakimanskaya) en Tsaplya (Olga Egorova), gekleed in witte jurken, op de brug over het Winterkanaal in Sint-Petersburg, hielden elkaars hand vast en sprongen in het water. Op de een of andere manier klommen ze naar het gangpad en stapten ze het land op. Het was een voorstelling "In Memory of Poor Lisa" - even effectief als vluchtig. Op 18 oktober 2014 trad de IJslandse artiest Ragnar Kjartansson op in de Music Room van het Vitebsk Station (ook in St. Petersburg). Hij zong in het Russisch het door hem gecomponeerde lied "Verlangen is sterker dan geluk"; het optreden duurde bijna zeven uur.

Een voorstelling kan een begin en een einde hebben die in de tijd van elkaar gescheiden zijn, of ze kan continu doorgaan, zoals een geloopte video-installatie. Dat zijn bijvoorbeeld de werken van Tino Segal, die hij in feite geen uitvoeringen noemt, maar die de voorkeur geeft aan de term 'situaties'. Ze spelen zich af tijdens de openingsuren van een museum of galerie, zijn constant aanwezig in de tentoonstellingsruimte en krijgen zo gelijkenis met schilderijen, sculpturen en installaties. Zo overtreedt de kunstenaar de regel die is verschenen als gevolg van het overtreden van de regels: als een voorstelling ooit een poging was om afstand te nemen van traditionele vormen van 'consumptie' van kunst (kwam naar een tentoonstelling, keek naar de exposities), nu keert hij naar hen terug in een hernieuwde vorm.

Bij promoties is de situatie anders: het kan moeilijk zijn om van tevoren te voorspellen hoe lang deze of gene actie zal duren. Pjotr ​​Pavlensky heeft dus herhaaldelijk in een interview toegegeven dat hij bij het starten van een actie gedwongen wordt klaar te zijn voor een willekeurig lang proces - aangezien de co-auteurs van Pavlensky in de regel vertegenwoordigers van de autoriteiten zijn, is de duur van elke actie hangt af van hoe snel de politie of artsen beslissen wat ze met de kunstenaar doen.

Lichaam

Yves Klein "Anthropometry of the Blue Period" en "Fire Painting", (1960)

De performatieve handeling is altijd een lichamelijke handeling. Het lichaam is zowel een instrument als een materiaal; het creëert zelf een situatie waarin er een soort geweld tegen wordt gepleegd (niet per se fysiek, hoewel het soms tot lichamelijk letsel gaat). Het lichaam kan gekleed of naakt zijn, geseksualiseerd of niet, heel of beschadigd, actief of passief, sterk of zwak, met de nadruk op fysiologie of functionaliteit. Het lichaam kan het centrale object van een werk zijn, maar zelfs wanneer de voorstelling of acties gewijd zijn aan onderwerpen die verre van lichamelijkheid zijn, is het lichaam nog steeds aanwezig en beïnvloedt het de waarneming van de kijker.

Yves Klein en Piero Manzoni waren de eersten die dit beseften. Eind jaren vijftig maakte Klein werken van afdrukken van menselijke lichamen op canvas (de afdrukken zijn natuurlijk gemaakt door Klein International Blue); Manzoni zette, in aanwezigheid van toeschouwers, zijn handtekening op de lichamen van naaktmodellen, veranderde ze in levende sculpturen en nodigde iedereen uit om kunstwerken te worden, staande op een "magisch voetstuk".

Een interessant kenmerk wordt opgemerkt door kunstcriticus Sasha Obukhova, een van de auteurs van het onderzoek en de tentoonstelling “Performance in Russia. Cartografie van de geschiedenis "(Garage, 2010):" In de Russische kunst is er veel tekst, vooral ideologische, en heel weinig body. Kunstenaars proberen de hele tijd het lichaam te verbergen, in de zin dat zelfs een naakt lichaam aseksueel is, het afwezig is en de functie van een tekst vervult … En men kan het niet nalaten het op te merken."

Artiesten

Tanya Brugera "Tatlin's Whisper No. 5", (2008)

Sommige artiesten huren vrijwilligers of speciaal ingehuurde artiesten in (niet noodzakelijk professioneel) om optredens op te voeren. Soms is het gewoon een publieksscène - zoals bijvoorbeeld in Elena Kovylina's voorstelling "Equality" (2008), waarin figuranten van verschillende hoogtes op voorbereide krukken van verschillende hoogtes stonden, waardoor hun gezichten op de hetzelfde niveau (musicologe Natalya Bystrova merkt een merkwaardig detail op: de uitvoering werd uitgevoerd met deelname van Russische en Franse figuranten, en "Gelijkheid" van de Fransen bleek soepeler). Maar soms wordt de aanwezigheid van bepaalde deelnemers de essentie van een performance - kunstcriticus en theoreticus Claire Bishop noemt dergelijke uitvoeringen gedelegeerd en verdeelt ze in drie typen.

In het eerste geval wordt een bepaald aspect van de identiteit van de uitvoerende kunstenaar "uitgespeeld", en terwijl de kunstenaar de rollen aan hen delegeert, delegeren ze aan de kunstenaar een garantie van authenticiteit. Een voorbeeld is het werk van Santiago Sierra, die in 1999 in zijn werken gemarginaliseerde mensen begon te gebruiken die bereid waren om tegen een kleine vergoeding tentoongesteld te worden en verschillende taken uit te voeren (vaak zinloos en zelfs vernederend - op deze manier vestigde Sierra de aandacht op de problemen van sociale stratificatie, economische ongelijkheid en onzekerheid van de gemarginaliseerden).

In het tweede geval trekt de kunstenaar externe professionals aan - zo nodigde Nam June Paik celliste Charlotte Moorman uit voor zijn uitvoeringen; De Cubaanse kunstenaar Tanya Brugera voor de voorstelling "Tatlin's Whisper No. 5" (2008) - bereden politieagenten die het publiek de technieken demonstreerden om straatacties te verspreiden. In de derde zet de kunstenaar een sociaal experiment op (bisschop noemt het bovengenoemde project "They" van Arthur Zhmiyevsky als voorbeeld), waarbij hij gewone mensen uitnodigt als deelnemer.

Kijkers

Yoko Ono "Cut a Piece" (1965)

“In de voorstelling heb je het gevoel dat je hier bent en nu je acties deelt met de kijker. Er is in geen enkele andere kunstvorm zo'n gevoel,”merkte de kunstenaar Gluklya (de groep“Factory of Found Clothes”) op in een van haar interviews. Toeschouwers zijn een verplicht onderdeel van een voorstelling of actie, zo niet op het moment van de uitvoering, dan in ieder geval later (maar dan krijgen ze alleen de documentatie - in dit geval gaan de artiesten echter bijzonder verantwoord om met de documentatie).

Toeschouwers kunnen volwaardige deelnemers aan de actie zijn - de beroemde uitvoering van Yoko Ono "Cut Piece" (1965) bestond bijvoorbeeld uit het feit dat de aanwezigen op hun beurt naar de artiest kwamen en stukken van haar jurk afknipten (hoe verder, de grotere). Ze kunnen het verloop ervan verstoren - zoals bijvoorbeeld Joseph Beuys overkwam tijdens de actie "Kukei, akopee - Nein!, Braunkreuz, Fettecken, Modellfettecken" (1964), toen iemand de neus van de kunstenaar brak vanwege politieke meningsverschillen.

Maar zelfs als de toeschouwers onverschillig blijven, vormt het publiek een speciale gemeenschap - het bestaat niet lang, alleen zolang de uitvoering duurt, maar al die tijd werken er speciale relaties in op basis van gezamenlijk ervaren ervaringen.

Realiteit

Elena Kovylina "Waltz", (2001)

Wat gebeurt er tijdens de voorstelling - voor echt of voor de lol? De vraag is niet zo eenvoudig als het lijkt. Wanneer Elena Kovylina dronken raakt tot bewusteloosheid ("Waltz", 2001), vecht met het publiek ("Boxing", 2005) en het tafelkleed in brand steekt tijdens een feestmaal ("Wil je een kopje koffie, of Burn the world of de bourgeoisie ", 2009), dit zijn geen speciale effecten - de pijn van de slagen, de duizeligheid en de hitte van de vlam zijn echt. Real en zijzelf, aangezien de performancekunstenaar nooit de rol van iemand anders speelt en altijd zichzelf blijft. Tegelijkertijd bestaat wat er tijdens de uitvoering gebeurt in een iets andere realiteit dan het dagelijks leven: in het gewone leven, bij een ontmoeting met de heldin Kovylina, belden we de politie, een ambulance of brandweerlieden.

De voorstelling kan niet worden beschreven vanuit het oogpunt van de relatie tussen de onderwerpen (auteur en kijker) en het object (werk), aangezien tijdens de uitvoering situaties kunnen ontstaan ​​van onverwachte verandering van deze rollen. Het is onmogelijk om erover te spreken in termen van de betekenaar en het betekende: alles waaruit een voorstelling bestaat - acties in hun opeenvolgende uitvoering, de gekozen plaats en tijd, de gebruikte rekwisieten - kan worden geïnterpreteerd, maar zelfs een oneindig aantal interpretaties put de gebeurtenis die is ontstaan ​​als gevolg van de prestatie niet uit. Het creëert een nieuwe realiteit die meer waarneembaar is en vaak logische analyse tart. Reflectie, reflectie en interpretatie maken plaats voor directe impact en transgressieve ervaring waarmee je de grenzen van de alledaagse ervaring kunt overschrijden.

FOTO'S: Getty-afbeeldingen

Populair per onderwerp