Iconische Optredens Van Artiesten Over Het Lichaam En Seksualiteit

Vermaak 2022
Iconische Optredens Van Artiesten Over Het Lichaam En Seksualiteit
Iconische Optredens Van Artiesten Over Het Lichaam En Seksualiteit

Video: Iconische Optredens Van Artiesten Over Het Lichaam En Seksualiteit

Video: Hoe raak je samen seksueel opgewonden? 2022, December
Anonim

"Axiale tijd" van feministische prestaties - het einde van de jaren zestig en zeventig: de seksuele revolutie, de tweede feministische golf, de ontwikkeling van nieuwe artistieke praktijken tegen de achtergrond van kritiek op de economische aspecten van kunst en de populariteit van linkse ideeën. Dit is de tijd van de teksten van Lucy Lippard en Martha Rosler, het keynote-artikel van Linda Nochlin "Why Weren't There Great Women Artists?", De eerste editie van The Art of Performance van Rosley Goldberg. Dit is de tijd van de werk- en onderwijservaring van de kunstenaar Judy Chicago, die de term "feministische kunst" bedacht en samen met Miriam Shapiro educatieve programma's, residenties en tentoonstellingszalen creëerde speciaal voor vrouwen.

Een belangrijk voorbehoud betreft het onderscheid tussen "vrouwelijke" en "feministische" kunst. De eerste is gemaakt door vrouwen en gaat vaak over "vrouwen" -onderwerpen, maar tegelijkertijd problematiseert of politiseert het hen niet. De tweede vereist dat de kunstenaar een feministe is, ook buiten de werkplaats. Er is echter een gezichtspunt dat enige vervaging van grenzen mogelijk maakt (bijvoorbeeld in curatoriële projecten) als de kunstenaar zichzelf niet manifesteert als feministe, maar werken creëert die belangrijke discussies genereren vanuit het oogpunt van vrouwelijk zelf. bewustzijn.

De thema's die door de performancekunstenaars van de jaren 60 en 70 werden aangekondigd, zijn nog steeds relevant: zelfs in ontwikkelde samenlevingen blijven seksualiteit en lichamelijkheid van vrouwen problemen met gender, geweld en gelijkheid. Tegelijkertijd veranderen technologieën (wat de kunstenaar Orlan in de jaren negentig deed, was bijvoorbeeld eerder technisch onpraktisch), ontwikkelen de feministische theorie en de performance zelf als genre zich. Kunstcriticus en auteur van het isqoos Telegram-kanaal, Maria Mikhantieva, vertelt over levendige performatieve werken over seksualiteit, lichaam en emoties gecreëerd door vrouwelijke kunstenaars in Rusland en het Westen van de jaren zestig tot heden.

Image
Image

Carolee Schneeman

reeks acties "Eye-body"

Image
Image

“Mannen kijken naar vrouwen. Vrouwen zien zichzelf als beschouwd worden”, schreef kunstcriticus John Berger in The Art of Seeing. Carolie Schneemann probeerde deze twee posities in de Eye-Body-serie te combineren. De kunstenares bedekte haar lichaam met verschillende substanties, van honing tot plastic, voerde sensuele dansen uit en legde het als volgt uit: “Ik wilde dat mijn lichaam een ​​integraal onderdeel van het werk zou worden - de nieuwe dimensie ervan. Ik ben zowel kunstenaar als schilder. Het lichaam kan erotisch, sexy, gewenst en gewillig blijven, maar tegelijkertijd een instrument zijn, gemarkeerd en gegraveerd in de tekst van slagen en gebaren in overeenstemming met mijn creatieve vrouwelijke wil."

Later, in 1968–1971, maakte de kunstenaar Joan Jonas verschillende performances waarin op de een of andere manier een spiegel verschijnt en een lichaam daarin weerspiegeld ("Mirror Pieces"). In documentaire en geënsceneerde foto's staart de naakte Jonas aandachtig en demonstreert tegelijkertijd zichzelf, waarbij ze verschillende hoeken en fragmenten kiest. Het resultaat is ultieme objectivering, zowel als kunstwerk als als openbaar tentoongesteld lichaam.

Image
Image

Vali Export

"Tactiele bioscoop"

In diezelfde jaren verscheen de beroemde "Tactile Cinema" van de Oostenrijkse kunstenaar Vali Export: ze deed een doos met een gordijn voor haar borst op, waardoor kijkers haar blote borst konden aanraken. Door haar lichaam tentoon te stellen in deze eigenaardige showcase, reproduceerde Export de situatie van seksuele objectivering - maar tegelijkertijd exploiteerde ze zelf degenen die betrokken waren bij het spel dat ze begon. In 1969 ging ze verder met de voorstelling "Genital Panic", toen ze op een sessie in het Filmmuseum van München verscheen in een spijkerbroek met een doorgesneden kruis en langs de rijen liep, waarbij ze het publiek bijna met haar schaambeen raakte. Het publiek was natuurlijk afgeleid en beschaamd en toonde kwetsbaarheid voor zo'n onceremonie van vrouwelijke seksualiteit.Vervolgens verscheen op openbare plaatsen in Wenen een poster waarop Export stond afgebeeld met wijd gespreide benen in diezelfde spijkerbroek, een leren jas, met warrig haar, een vastberaden blik en een machinepistool in haar handen.

Haar werk werd 45 jaar later voortgezet. De Bulgaarse schilder Boryana Rossa, een overlevende van kanker, werd gedwongen een dubbele borstamputatie te ondergaan. In 2013 presenteerde ze een van de meest aangrijpende werken over lichamelijkheid - “Deconstructie van de tactiele bioscoop door Vali Export”. Rossa deed ook een doos met een gordijn op en nodigde ook iedereen uit om hun handen achter het gordijn te steken - alleen het publiek kon daar niet meer aan hun borsten tasten.

Image
Image

Karen Le Coq

en Nancy Yudelman

"Leia's kamer"

Image
Image

Over de mannelijke look gesproken, het is onmogelijk om een ​​onderwerp als de schoonheidsindustrie en het verlangen van een vrouw om zichzelf voor een man te versieren, te negeren. In 1972 creëerden bewoners van het House of Women, opgericht door Judy Chicago en Miriam Shapiro, Karen Le Kock en Nancy Yudelman, de "Leah's Room". Leia is een personage uit de roman "Sheri" van de schrijver Colette, een oudere courtisane voor wie schoonheid een professioneel hulpmiddel is. Tijdens de uitvoering zat Le Coq aan de kaptafel, ingericht in de geest van belle époque, bracht cosmetica op haar gezicht aan en waste het, schilderde opnieuw en waste het opnieuw, alsof ze niet tevreden was met het resultaat, waardoor de aangename procedure in een gevecht veranderde. voor ongrijpbare jeugd.

Image
Image

Rebecca Horn

"Eenhoorn"

Rebecca Horn transformeerde in haar vroege werk lichaamsversiering in transformatie met ongewone kostuums. Door ziekte was de kunstenaar op een gegeven moment beperkt in technische middelen en kon ze alleen maar naaien - en naaide ze allerlei "toevoegingen" voor het lichaam, zoals een romp boven het hoofd of langwerpige armen. Geïnspireerd door de lichte gang en lome blik van een klasgenoot, creëerde ze voor haar een eenhoornkostuum ("Eenhoorn", 1970-1972) - zowel openhartig als onschuldig, die doet denken aan de puurheid, gesymboliseerd door dit mythische dier, dat een naakt lichaam toont en het aanvullen met een nieuw element.

Een rechtopstaande hoorn zorgt ervoor dat je je houding behoudt, lijkt op een middeleeuws gennin en suggereert tegelijkertijd fallische associaties. Ze haalde haar over om het pak enkele uren te dragen tijdens een wandeling door de velden en bossen. De "eenhoorn" werd gevolgd door waaiervleugels ("White Body Fan", 1972), krabhandschoenen met meterslange "nagels" ("Scratching Gloves", 1972), een masker bezaaid met geslepen potloden ("Pencil Mask", 1972), en andere objecten - ofwel modeaccessoires, of carnavalskostuums, of Freudiaanse hints.

Image
Image

Judy Chicago

"THE BIRTH TRILOGY"

Image
Image

Het onderwerp vrouwelijke fysiologie leidt onvermijdelijk tot gedachten over de bevalling. Dus een van de laatste uitvoeringen, die plaatsvond in het "Women's House" van Judy Chicago, was "The Birth Trilogy" (1972), die in een stroompje deed denken aan een kinderspel: terwijl sommige artiesten in een dichte kolom stonden en symbolisch "duwend", anderen kruipen tussen hun benen uit elkaar, met afbeeldingen van baby's. De "pasgeborenen" werden in hun armen genomen, wiegden en zongen liedjes die steeds luider klonken, totdat ze veranderden in een extatische "oerkreet". Zo probeerden 25 deelnemers aan de voorstelling grensstaten te ervaren die verband houden met de bevalling, waardoor ze werden bevrijd van alle culturele aspecten.

Desalniettemin betreurde Lucy Lippard dat de artiesten die met performatieve praktijken werken zelden het onderwerp zwangerschap behandelen - ofwel omdat ze te jong zijn en simpelweg geen relevante ervaring hebben, ofwel omdat het moederschap nog steeds omgeven is door allerlei taboes, en een vrouw die vecht voor het recht om kunstenaar te zijn, men moet wegblijven van zo'n duidelijke herinnering aan de "vrouwelijke bestemming".

Image
Image

Susan Mogul

VIDEO "TAKE OFF"

Als Export blijk gaf van agressieve seksualiteit en anderen letterlijk beledigde, benaderde Susan Mogul dit onderwerp met humor.In 1974 presenteerde ze de video "Take Off" - een remake van Vito Acconci's beroemde voorstelling "Seedbed" (1972), waarin hij in een galerie onder een speciaal gebouwde hellingbaan masturbeerde en zijn erotische fantasieën over bezoekers van de tentoonstelling uitte. via een luidspreker. Mogul masturbeert ook, maar verbergt zijn gezicht niet en laat aan het begin van de video zelfs de kijker kennis maken met zijn vibrator, terwijl hij zijn verhaal vertelt. Dit werk was een voortzetting van haar onderzoek naar de representatie van seksualiteit door kunstenaars en schilders en een reactie op de mannelijke blik, die volgens haar de belichaming van Acconci was.

Image
Image

Hannah Wilke

"SOS, Starification Object Series"

Image
Image

Soms is het lichaam echter niet onderworpen aan onze wil - die de kunstenaar Hannah Wilke onder ogen moest zien. Ze begon met sculpturen (terracotta beeldjes, waarvan de vorm tegelijkertijd leek op traditioneel Joods gebakken homentash en vrouwelijke geslachtsdelen) en uitvoeringen, waarbij ze eerst shirtless flirtte voor toeschouwers van kauwgom en vervolgens haar lichaam bedekte met deze kauwgom als lelijke wratten ("SOS, Starification Object Series, 1974).

Lucy Lippard, theoreticus en de motor van de feministische kunst van de jaren 60 en 70, schold haar zelfs uit omdat ze te openhartig was: Wilke, die een glanzend beeld exploiteert, vervaagt de grens tussen kritiek op objectivering en objectivering zelf, 'verwart de rollen van een schoonheid en een kunstenaar, een meisje van gemakkelijke deugd en een feministe”… Het gemak eindigde toen bij Wilke kanker werd geconstateerd; het verhaal van de strijd tegen de ziekte was haar laatste werk. Intra-Venus (1992-1993) kan nauwelijks een voorstelling worden genoemd - meer als een gebeurtenis van een jaar, waaruit nog steeds foto's en video's zijn die de geleidelijke desintegratie van het eens zo aantrekkelijke lichaam en het uitsterven van de van haar beroofde kunstenaar weergeven belangrijkste instrument. Deze harde streak zou "Cured" heten, maar Wheeke verloor.

Image
Image

Carolee Schneeman

"Inner scroll"

Een van de luidruchtigste uitspraken over het bestaan ​​van een vrouwelijk lichaam was Carolie Schneeman's werk The Inner Scroll (1975) - een scroll met een keynote speech over de transformatie van een vrouw van een modelobject in een maker, de kunstenaar verwijderd uit haar vagina: “Ik stond naakt voor driehonderd mensen, niet omdat ik seks wilde hebben, maar omdat ik mijn geslacht en mijn werk zo harmonieus ervaar dat ik de moed of de moed heb om mijn lichaam te laten zien als een bron van wisselende emotionele kracht.. In zekere zin heb ik mijn lichaam aan andere vrouwen gegeven: ik heb ons lichaam teruggegeven aan onszelf. '

Image
Image

Adelaar

"DE REINCARNATIE VAN DE HEILIGE ADELAAR"

Image
Image

Orlan ging verder en begon haar lichaam te veranderen met veel radicalere methoden. Het project "Reincarnation of Saint Orlan", dat begon in 1990, bestond uit een reeks plastische operaties, waarbij de kunstenaar eerst reïncarneerde in de heldinnen van klassieke schilderijen en vervolgens de deconstructie van de canons van menselijke schoonheid op zich nam - bijvoorbeeld implanteerde ze implantaten om haar jukbeenderen onder de huid van haar voorhoofd te vergroten. De operaties werden uitgevoerd onder plaatselijke verdoving; De adelaar, gekleed in prachtige kleren, bleef bij bewustzijn - alles was ingericht als plechtige rituelen om de natuur te overwinnen.

Image
Image

Elena Kovylina

"WALS"

Een onstabiele psyche is een ander stereotype dat sterk geassocieerd wordt met het thema van de vrouwelijke fysiologie: vrouwen worden vaak toegeschreven aan "verhoogde emotionaliteit", in tegenstelling tot mannelijke rationaliteit. Misschien is het beste beeld van "een vrouw op de rand van een zenuwinzinking" opgevolgd door Elena Kovylina, die opstond met een strop om haar nek, het publiek uitnodigde voor een echte bokswedstrijd en op een kwetsbare boot op de golven vertrok., waarmee hij de prestatie van Arthur Kravan herhaalt.

Rebecca Horn, die lesgaf aan haar University of the Arts in Berlijn, gaf toe: “Ze was een beetje gek. Ze had dit optreden met wodka, waardoor ze bijna dood viel, godzijdank, daar was een dokter en pompte haar eruit - als ze stierf, zou ik mijn onderwijspositie hebben verloren! " Toespraak over het werk "Waltz" (2001): Kovylina nodigde het publiek uit om te dansen, en na elke ronde legde ze een bestelling op haar borst en dronk ze een glas wodka.Uiteindelijk moesten de partners met geweld uit de menigte worden getrokken - niemand wilde met een volledig dronken vrouw op de muziek draaien, en wat in eerste instantie een aangenaam tijdverdrijf leek, veranderde in een ramp.

Image
Image

Marnie Kotak

"Geboorte van baby X"

Misschien wel het meest bekende werk over het onderwerp zwangerschap en bevalling is de performance / actie 'Birth of Baby X' (2011) van de Amerikaanse Marnie Kotak, die eerst een gezellig nestje in de Microscope Gallery in New York 'verdraaide' en daarna het leven schonk aan haar zoon Ajax daar. Aanvankelijk was er geen feministisch perspectief in het werk van Kotak: de belangrijkste pathos van haar werk is geconcentreerd in de transformatie van het alledaagse leven tot een kunstobject (voor dit doel imiteerde Kotak bijvoorbeeld haar eigen geboorte en verlies van maagdelijkheid). De beruchte fysiologie voegde echter plotseling een sociale dimensie toe aan dit verhaal: in 2014 kondigde Kotak aan dat ze behandeld moest worden voor postpartumdepressie en dat haar volgende optreden een openbare stopzetting van medicamenteuze therapie zou zijn om ontwenningsverschijnselen te overwinnen.

Image
Image

Mika Ela

"Tafereel"

“Is het niet omdat vrouwelijke destructiviteit als zo walgelijk wordt beschouwd dat het op dit moment onmogelijk is om ons te beheersen? Wat als we deze ervaring overbrengen naar de ruimte van de kunst en, eerlijk in de ogen kijken van onze eigen onmacht, er een wapen van maken? " - schreef de kunstenares Mika Ela over haar performance "Scene" (2014). Door een tekst uit te spreken over de gevoelens van een vrouw die niet tevreden is met het feit dat ze niet bestaat behalve op 8 maart, slaat de kunstenaar de platen kapot en reconstrueert de 'scène' - een stereotiepe hysterie, een voorliefde waarvoor vaak toegeschreven aan vrouwen. Het werk onderzoekt vrouwelijke destructiviteit in de context van conventionaliteit: aan de ene kant worden vrouwen vaak beschouwd als hysterischen die alleen de afwas doen en hun gedachten en gevoelens kunnen uiten, aan de andere kant wordt verondersteld dat een vrouw terughoudend is, niet -agressief, evenwichtig. Mika Ela stelt de vraag: "Wat ben ik?"

Foto's: Amazon, Womanhouse / California Institute of the Arts Institute Archives (1, 2), Orlan, MoMA

Populair per onderwerp